Muuttaako markkinat taidetta?

Introduction

2000-luvun taide on versoileva ala, ja se pitää sisällään käytäntöä, tutkimusta ja julkaisuja, tehden siitä varsin dynaamisen alan tutkia. Monet tärkeät aiheet ovat resonoineet uudella vuosisadalla, ja insipiroineet uudenlaisia ajatusmalleja ja suuntauksia, kuten biotaiteen nousun. Myös relatioaalinen estetiikka on ollut nousussa; se kehittyi vastauksena osallistavalle taiteelle. Monet muut paljon puhutut aiheet viime vuosisadalta pysyvät tärkeinä analysoitaessa 2000-luvun taidetta ja visuaalista kulttuuria.
Tämän buosisadan taine sisältää paljon erilaisia tarkoitusperiä ja materiaaleja. Uutuuksiin kuuluu mm. elektroniikan valtaisat muutokset ja digitaalisuuden muutos kaikkeen mitä me teemme. On mahdollisuuksia luoda aivan uudenlaista digitaalista taidetta, jota ei ennen ole ollut pystytty tekemään. Siitä huolimatta myös tutut tavat tehdä taidetta, kuten maalaaminen, säilyttää asemansa taiteessa. Monet taiteilijat ovatkin alkaneet sekoittaa erilaisia medioita ja tyylejä, luoden näin vanhan ja uuden taiteen tekemisen sekoituksia.

Globalisaatio

Taideskenen avainasiana 2000-luvulla on ollut globalisaatio. Maailmanlaajuinen yhtenevyys on kasvanut räjähdysmäisesti tällä vuosisadalla, ja se näkyy myös taiteessa. Tietoisuus erilaisista taidemuodoista leviää huomattavasti helpommin ja nopeammin ympäri maailmaa internetin ansiosta. Jokainen, jolla on internet-yhteys, voi seurata mitä tahansa paikallista taidesuuntausta internetin kautta. Samaan aikaan kasvanut ihmisten globaali liikkuvuus on tuonut eri maista taiteilijoita kulttuureihin, joissa kyseisen maan taidesuuntauksia ei välttämättä ole ennen paljoa toteutettu.

Visuaalinen kulttuuri

Visuaalinen kulttuuri on kasvanut omaksi alakseen 2000-luvun aikana. Se ottaa huomioon erilaisia lähtökohtia kuvien ymmärtämiseen ja siihen, miten kuvien ja visuaalisten asioiden avulla voi kommunikoida.

Visual culture

In the 21st century visual culture has grown as a recognized interdisciplinary field of study, taking a multi-faceted approach to understanding how images of all types communicate and participate in the construction of identity, gender, class, power relationships, and other social and political meanings and values. Medicine, science, politics, consumer culture, and religion and spirituality are some of the arenas that visual culture studies examine along with art. Visual culture scholars analyze film, television, graphic novels, fashion design, and other forms of popular culture in addition to established fine art media such as painting, and they draw upon many methodologies and theories, including semiotics, sociology, psychoanalysis, reception theory, feminism, and the concept of the gaze, to name a few.
Just as visual culture scholars are examining images and media of all types so, too, are 21st-century artists drawing inspiration, imagery, materials, and concepts from diverse areas of culture, moving well beyond influences from the history of fine art and design. The world of professional sports and fanatic fans has been a topic for Paul Pfeiffer, while the commercial television industry has informed various video installations by Christian Jankowski.

Wim Delvoye, Study # 147, 2004, pencil, colour pencil, marker & sticker on paper, 77 x 112 cm
Wim Delvoye, Study # 147, 2004, pencil, colour pencil, marker & sticker on paper, 77 x 112 cm
Most contemporary artists do not draw rigid distinctions between high art and popular culture. For instance, a number of contemporary artists embrace traditional techniques of fiber art but use them to create unorthodox forms or address current social and political issues. Along these lines, Ghada Amer has used thread to embroider on canvas repeated motifs of nude women engaged in sexual acts, then partially obscured the embroidered images with gestural painted brushstrokes. Her themes include the expression and repression of female sexuality and eroticism in both Western and Islamic societies. Another example of intermixing visual cultures is the complex array of interactions between science and contemporary art, with many artists engaging with scientific imagery and ideas in their practice. For example, Wim Delvoye’s ongoing series called Cloaca imagines humans as cyborgs, representing the human digestive system as a kind of biomechanical contraption. Finally, many 21st-century artists are deeply affected by their immersion in global visual culture, which is now made vividly present through online networks. Many artists maintain a personal website, and some create art expressly for dissemination through social media. As always, new technologies provide new opportunities and challenges.

Julkinen ja osallistava taide

Julkinen taide oli vakiintunut suuntaus 1900-luvun lopussa. Se houkutteli sekä perinteisiä että kokeellisia ammatinharjoittajia. Julkinen taide on vuosituhannen vaihteen jälkeen laajentunut vieläkin enemmän toiminta-alaksi, jossa luovaa tutkimusta voi tapahtua. Lisäksi tuttuja muotoja, kuten sivustokohtaisia monumentteja, seinä maalauksia, graffiteja ja yhteistyötä taiteilijoiden, insinöörien ja arkkitehtien välillä, julkinen taide käsittää uusia tarkoituksia, muotoja ja paikkoja, mukaan lukien Pop-up-taide kaupat, katu paraatit, ja verkkohankkeita. Julkiset taiteilijat 2000-luvulla voivat usein käyttää vakiintuneita lähestymistapoja, kuten asennusta ja performanssia, mutta samalla ottaa käyttöön myös uusia muunnelmia. Esimerkiksi taiteilijoiden on nyt normaalia palkata muita ihmisiä, joilla on joitain erityistaitoja, suorittamaan esityksiä heidän puolestaan. Tässä hengessä Vanessa Beecroft palkkasi malleja esityksiin, ja yhteistyötaiteilijat Allora & Caldazilla ohjasivat ammattiurheilijoita joidenkin installaatioiden esiintyjiksi.
Huomattava suuntaus 2000-luvulla on ollut taidetta, joka on osallistava, jossa sosiaalinen vuorovaikutus, jota työ tulee sen sisällöstä. Usein kutsutaan relaatio taidetta, työ kirjaimellisesti harjoittaa yleisölle jollakin tavalla. Esimerkiksi Carsten Höller on asentanut jättiläinen dioja museoissa vierailijoille liu’uttamalla alas, ja Rirkrit Tiravanija on valmistanut thaimaalaista ruokaa ja palvellut sitä Galleria-kävijöille. Maailmanlaajuisesti verkoteltua mediaa kiinnostuttavat taiteilijat luovat usein verkko projekteja, jotka kutsuvat sosiaalista kanssakäymistä. Relational estetiikka on kehittynyt (ja kiistetty) kriittiseksi teoriaan tällaisten yritysten analysoimiseksi ja arvioimiseksi. Keskeisiä kysymyksiä näissä keskusteluissa ovat: Onko väliä, jos sosiaaliset vuoro vaikutukset tällaisten toimii edistää parempaa maailmaa tai ovat samanmieltä ja viihdettä riittävästi tavoitteita? Missä määrin relaatio taiteen (kuten Höller-diojen) fyysiset tuotteet arvioidaan esteettisesti sekä niiden sosiaalisiin vaikutuksiin?
21. vuosisadalla on vasta alkamassa – asiat ja ideat kehittyvät nopeasti, ja uudet taiteilijat saavat jatkuvasti huomiota ja vaikutus valtaa.
Jean Robertson, liitto kansleri taide historian professori, Herron School of Art and Design, Indiana University-Purdue University Indianapolis
Tämä sisältö kehitettiin ensin Oxford Art Online ja näyttää luvalla Oxford University Press. Vierailla oppia lisää nykytaiteen ja nähdä listan merkittäviä 21st-luvulla taiteilijoita.

Mitä oikeastaan on taide?

Sana ”taide” sisältää paljon. Taiteen määritelmä ei ole yksiselitteinen. Se, mikä on toiselle taidetta, voi olla toisen henkilön mielestä roskaa. Taide on vaikeasti määriteltävä asia. Se on suhteellinen. Sen määritelmä riippuu tilanteesta. Se riippuu henkilöstä. Se riippuu kontekstista. Se riippuu näkökulmasta.

Yleisesti ottaen taide tarkoittaa asioita, joiden kautta ihminen voi koittaa herättää toisissa ihmisissä itse tuntemiaan tunteita. Taide on kulttuurin peruskäsitteitä. Taide pyrkii vaikuttamaan ihmisen tunteisiin. Se voi olla väline mielihyvän tuottamiseen tai kannanottoon ja viestintään. Taiteen tarkoituksena ei välttämättä ole herättää sen kokijassa miellyttäviä tunteita.

Taiteelle onkin olemassa siis edellä mainittujen seikkojen vuoksi varsin monia määritelmiä. Immanuel Kant on sanonut, ettei ihminen pysty saamaan tietoa ympäristönsä todellisesta olemuksesta, vaan sen havainnoituminen on riippuvainen siitä, millä tavoin se hahmottuu aisteissamme. Näin ollen taide on aina subjektiivista, eikä sitä oikeastaan voi määritellä objektiivisesti.  Tämän myötä myöskään estetiikkaa ei ole mahdollista määritellä objektiivisesti eikä se kerro mitään itse tarkastelun kohteena olevasta esineestä. Estetiikka sen sijaan määrittyy sen pohjalta, mikä on sitä tarkastelevan henkilön tunnepohjainen suhtautuminen esineen mielikuvaan.

Taiteen historian näkökulmasta taiteelliset teokset ovat olleet olemassa lähes yhtä kauan kuin koko ihmiskunta: varhaisesta esihistoriallisesta taiteesta aina nykytaiteeseen saakka. Jotkut teoreetikot kuitenkin kokevat, että tyypillinen ”taiteellisten teosten” käsite sopii vähemmän nykyaikaisen länsimaisen yhteiskunnan ulkopuolelle. Taiteen määritelmän varhainen merkitys onkin läheisesti yhteydessä vanhempaan latinalaiseen merkitykseen, joka karkeasti tarkoittaa ”taitoa” tai ”käsityötä”, kuten sanat ”käsityöläinen”. On kuitenkin olemassa monia muita puhekielisiä käyttötapoja, jotka kaikki liittyvät jonkin verran sen etymologiaan.

Taiteen määritelmiä ja näkemyksiä

Ajan myötä jotkut filosofit, kuten Platon, Aristoteles, Sokrates ja Kant, kyseenalaistivat taiteen merkityksen. Useat Platonissa käydyt vuoropuhelut käsittelevät taiteeseen liittyviä kysymyksiä: Sokrates sanoo, että runoja inspiroi muses, eikä siinä ole järkeä. Hän puhuu tästä myönteisesti, ja muut jumalallisen hulluuden muodot (juovuus, eroottisuus ja unet) Phaedrusissa, ja kuitenkin tasavallassa haluaa kieltää Homerin suuren runollisen taiteen ja naurun. Ionissa Sokrates ei anna vihjeitä Homerin paheksunnasta, jota hän ilmaisee tasavallassa. Ionin vuoropuhelu viittaa siihen, että Homerin Iliad toimi muinaisessa kreikkalaisessa maailmassa, kuten Raamattu tekee nykypäivän kristillisessä maailmassa: jumalallisesti innoitettu kirjallinen taide, joka voi tarjota moraalista ohjausta, jos vain sitä voidaan tulkita oikein.

Kirjallisen taiteen ja musiikkitaiteen osalta Aristoteles piti eeppistä runoutta, tragediaa, komediaa, dithyrambic-runoutta ja musiikkia mimeettisenä tai imitatiivisena taiteena, joista kukin vaihteli jäljitelmän mukaan keskipitkällä, esineellä ja tavalla. Esimerkiksi musiikki jäljittelee rytmin ja harmonian mediaa, kun taas tanssi jäljittelee pelkästään rytmillä ja runolla kielellä. Lomakkeet vaihtelevat myös jäljitelmän kohteena. Esimerkiksi komedia on dramaattinen miehitys miehistä keskimääräistä huonommin; tragedia taas jäljittelee miehiä hieman keskimääräistä paremmin. Lopuksi muodot eroavat jäljitelmän tavasta – kertomuksen tai luonteen kautta, muutoksen tai muutoksen puuttuessa, sekä draaman tai draaman kautta. Aristoteles uskoi, että jäljitelmä on ihmiskunnalle luonnollista ja että se on yksi ihmiskunnan eduista eläimiin nähden.

Sana taiteen uudempi ja erityisempi merkitys luovan taiteen tai kuvataiteen lyhenteenä syntyi 1700-luvun alussa. Taide tarkoittaa taitoa, jota käytetään taiteilijan luovuuden ilmaisemiseen tai yleisön esteettisten tunteiden ottamiseen tai yleisön vetämiseen hienostuneen tai hienostuneemman taideteoksen huomioon ottamiseen.

Tässä jälkimmäisessä mielessä sana taide voi viitata useisiin asioihin: luovan taidon tutkimus, prosessi, jossa käytetään luovaa taitoa, luovan taidon tuote, tai yleisön kokemus luovasta taidosta. Luovat taiteet (taide kurinalaisuutena) ovat kokoelma tieteenaloja, jotka tuottavat taideteoksia (taide esineinä), jotka pakottavat henkilökohtainen asema (taide kuin toiminta) ja välittävät viestin, tunnelman tai symboliikan havainnolliselle tulkitaessa (taide kokea). Taide on jotain, joka stimuloi yksilön ajatuksia, tunteita, uskomuksia tai ideoita aistien kautta. Taideteoksia voidaan tehdä nimenomaisesti tähän tarkoitukseen tai tulkita kuvien tai esineiden perusteella. Joillekin tutkijoille, kuten Kantille, tiedettä ja taidetta voitaisiin erottaa ottamalla tiede edustamaan tietämyksen ja taiteen aluetta, joka edustaa taiteellisen ilmaisun vapautta.

Usein, jos taitoja käytetään tavallisella tai käytännöllisellä tavalla, ihmiset eivät pidä sitä taiteena. Samoin, jos taitoa käytetään kaupallisella tai teollisella tavalla, sitä voidaan pitää kaupallisena taiteena kuvataiteen sijasta. Toisaalta käsitöitä ja muotoilua pidetään joskus soveltavana taideteoksena. Jotkut taiteen seuraajat ovat väittäneet, että taiteiden ja soveltavan taiteen ero on enemmän taidetta koskevien arvotuomioiden kanssa kuin mikään selkeä määritelmäero. Jopa kuvataiteella on usein tavoitteita, jotka ylittävät puhtaan luovuuden ja itsensä ilmaisun. Taideteosten tarkoituksena voi olla ajatusten, kuten poliittisesti, hengellisesti tai filosofisesti motivoituneen taiteen, välittäminen; luoda kauneuden tunnetta (ks. estetiikka); tutkia käsityksen luonnetta; nautinnon vuoksi; tai luoda vahvoja tunteita. Tarkoitus voi olla myös näennäisesti olematon.

Filosofi Richard Wollheim on kuvannut taiteen luonnetta ”yhdeksi maailman kulttuurin perinteisimmistä ongelmista”. Taide on määritelty välineeksi tunteiden ja ideoiden ilmaisemiselle tai välittämiselle, keinolle tutkia ja arvostaa muodollisia elementtejä omasta puolestaan ​​ja mimesikseksi tai esitykseksi. Taiteella mimesiksellä on syvät juuret Aristoteleen filosofiassa.

Siirry sivun alkuun